Imura art gallery is pleased to announce an autumn exhibition featuring the work of nihonga painter Natsunosuke Mise and ceramic artist Yui Tsujimura.

Both artists were born in Nara and belong to the same generation. Employing different media—painting and pottery—they both incorporate the unpredictability of nature as a key element in their work.

Mise makes full use of nihonga materials in paintings that convey the nature of Japan through indistinct yet dynamic compositions, into which he incorporates his own memories and modern motifs in intricate detail. “As I create each work, I am keenly aware that it will eventually return to the earth,” he explains. One of his techniques is to mix copper powder into the medium and cover the painting with soil to age it, giving the work a patina with luster and colors that resemble a potter’s glaze.

In contrast, Yui Tsujimura’s pottery always has a natural ash glaze, which is produced in the kiln through chemical reactions between ash and clay. The combination of the blue-green glassy glaze and the ash that attaches to the surface of the pottery produces a landscape that no hand could paint. Fresh from the kiln, his ceramics seem to be melting—like sculptures, they brim with life as if they were living creatures.

Mise describes his art as occupying a place somewhere between nature and humanity. Tsujimura feels that producing pottery is a matter of him creating its form, and then patiently waiting for the natural finish provided by the clay and the fire. The two artists may use different media, but their underlying approaches have much in common.

Mise’s new works in this exhibition, which were shown in a solo exhibition at Ohara Museum of Art’s Yurinso villa in October, are an homage to Edo Period landscape painter Uragami Gyokudo.

Taken together, the works of Natsunosuke Mise and Yui Tsujimura communicate their unceasing efforts to make nature an integral part of their art.

今秋、イムラアートギャラリーでは、日本画家・三瀬夏之介と、陶芸家・辻村唯の二人展を開催するはこびとなりました。

奈良に生まれた二人の同世代の作家は、絵画とやきものというそれぞれの分野において、自然が作り出す偶然性の芸術を作品の上に描き出しています。

三瀬夏之介は日本画の素材を用いることに徹して日本の風土を描き、その模糊としたダイナミックな構図のなかに、自身の記憶や現代的なモチーフを緻密に描き出します。「作品はいつか土に還ると思って制作しています」−そう語る三瀬は、例えば銅粉を混ぜたメディウムを用いて、作品を土に埋めて腐食させることで、絵画の中で緑青（ろくしょう）を生じさせ、まるで釉薬のような艶と色彩を作り出しています。

いっぽう辻村唯は、やきものの制作において一貫して「自然釉」と呼ばれる天然の釉を用いています。これは窯の中で起こる灰と土の化学反応から生まれ、表面に付着した灰やガラス質の緑青の釉により、人の手では作り出せない景色が描き出されています。窯から取り出されたばかりの溶けるような器体をした作品群は、彫刻作品然として、まるで生き物のような生命力を湛えています。

三瀬夏之介にとって作品とは、自然と人の「間」に位置するものであると言います。辻村唯にとって、やきものの制作とは、器形を作り上げたあとは、土と炎による自然の仕上がりをじっと「待つ」ことでもあります。作品の媒体は異なっていても、二人の姿勢には通底するものがあります。

本展で発表する三瀬の新作は今秋10月の大原美術館 有鄰荘での個展への出品作品であり、江戸時代の山水画家・浦上玉堂にオマージュが捧げられています。

二人の作家による、自然に対する飽くなき挑戦をぜひご覧ください。